La fabula de aragne

popularmente conocido como Las hilanderas, es un lienzo de Diego Velázquez, conservado en el Museo del Prado. Esta obra es de los máximos exponentes de la pintura barroca española y está considerada como unos de los grandes ejemplos de la maestría de Velázquez. Temáticamente es una de sus obras más enigmáticas, pues aún no se conoce el verdadero propósito de esta obra.

Cuenta la leyenda que Aracne era una de las mejores tejedoras de toda Grecia. Era hija de un tintorero llamado Idmón y vivían en Lidia. Pero tenía un gran defecto, era en exceso vanidosa. De tal modo, le decía a todo el mundo que era la mejor tejedora del mundo. La gente, al observar sus obras, subrayaba su destreza. Cuentan que incluso las ninfas acudían a observar sus hermosos bordados. Recibía encargos de todas partes del mundo. De tal modo que Aracne cada vez se enorgullecía más y más de su trabajo, hasta que un día se comparó con la mismisima diosa Atenea, por ser diosa, a parte de la sabiduría, de las hilanderas. De tal modo que le lanzó un reto, para comprobar quien de las dos tejía mejor.

            Atenea quiso darle una lección a Aracne, asi que aceptó el reto y descendió del Olimpo a la tierra en forma de anciana. Atenea le aconsejó que fuese más modesta y comenzaron el concurso. Ambas estuvieron tejiendo todo el día. Las dos estuvieron ilustrando en sus obras a los dioses. Mientras que Atenea los mostraba en todo su esplendor, Aracne se mofaba de ellos representándolos en episodios deshonrosos como locos y borrachos.
            Ante esto, Atenea se enojó con la hilandera, golpeándola y rompiéndole el tapiz. Aracne, asustada, humillada y deshonrada huyó enloquecida de la diosa con la intención de ahorcarse de una viga del techo. Ante esto, la diosa se apiadó y le salvó la vida, pero como castigo, la convirtió en araña y la condenó a tejer por el resto de los tiempos.
            Para algunos, no fue la deshonra a los dioses del Olimpo lo que llevó a Atenea a enojarse con Aracne, sino que comprobó que efectivamente la obra de Aracne era mejor que la suya. De tal modo que fue el orgullo de la diosa lo que la movió a convertirla en araña.
            Aparte de esta,

La venus en el espejo

La Venus del espejo es un cuadro de Velázquez (1599-1660), el pintor más destacado del Siglo de Oro español. La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer. Esta vez, sin embargo, prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano.

Las meninas

 

En el medio del cuadro podemos ver a la infanta Margarita rodeada de su familia en una sala del Alcázar de Madrid.

Este cuadro está construído a partir de una enorme habilidad por el uso de la luz, la perspectiva... hasta de su retrato.De su tema podemos decir que se han dicho varias cosas, pero la que destaca entre las demás es la de la reivindicación de la nobleza.Como ya he dicho antes, Velázquez se autorretrata en la parte izquierda para que quede plasmado la supremacía del arte de la pintura.El perro que aparece en la parte inferior de la derecha es de la raza mastín y pertenece a dicha familia.

Detrás de dicha familia, aparecen conversando las guardadamas, y al fondo, en la puerta, el aposentador José Nieto y en la parte central del cuadro, en un espejo aparecen reflejados los reyes Felipe IV y Mariana de Austria,

La Fragua de Vulcano

En la escena se nos presenta al dios Apolo cuando ante Vulcano y los componentes de su fragua da la noticia del adulterio de Venus con Marte. La historia de la mitología griega se nos presenta aquí totalmente humanizada, no hay cíclopes o dioses (la única alusión a la deidad es la corona de laurel y el aura que nos permiten identificar a Apolo) simplemente hombres en cuyo rostro se muestra la sorpresa.

Tema :El tema tenía poca tradición iconográfica. Algo más corriente era representar el momento inmediatamente posterior,  en donde Ovidio presenta a Vulcano sorprendiendo a los adúlteros y cogiéndolos en una red, haciéndolos objeto de la mofa de los dioses

Los borrachos

Es el cuadro que cierra la primera etapa de la pintura velazqueña, la llamada etapa sevillana, la del realismo extremo y los cuadros de género o bodegones con figuras y abre la etapa de madurez.

Pintado por encargo real, le fue pagado a Velázquez en 1629, unos meses antes del comienzo de su primer viaje a Italia y un poco después de conocer a Rubens, autor de estupendos cuadros de tema mitológico.. El artista quiso representar a Baco como el dios que obsequia al hombre con el vino, que lo libera, al menos de forma temporal, de sus problemas cotidianos, por lo que Baco se convierte en uno de los borrachos que participan en la fiesta, diferenciándose de los demás por su piel más clara. El asunto ha sido tratado como una escena realista y popular, del mismo modo que si estuviésemos ante una merienda de amigos en el campo; por esto el título original ha sido sustituido popularmente por "Los Borrachos".

Retrato de Felipe IV

La razón por la que el rey eligió a Velázquez fue el realismo mostrado por el pintor, que no idealizaba a su retratado sino que lo hacía parecer más humano, con sus defectos y sus virtudestiene la mano apoyada sobre la mesa, que significa poder.Aquí, el elemento característico del rey es el traje de plata y castaño que lleva puesto.Durante su época fue el retrato más conocido y cotizado.

El cuadro lo hizo el pintor en el primer viaje que hizo hacia Italia, por la década de los años 30, por lo que tiene rasgos de la escuela veneciana en el colorido.También podemos ver que el rey lleva la cadena de la Orden del Toisón de Oro.El cuadro es un retrato a tamaño natural, cosa muy poco unusual de aquella época

Vieja friendo Huevos

Vieja friendo huevos es una de las pocas que se fechan casi con total seguridad, apostándose por el año 1618. Su popularidad ha hecho de ella una de las escenas más significativas del Barroco español. . En primer plano vemos a una anciana cocinando unos huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho que porta un melón de invierno y una frasca de vino. En la zona de la derecha contemplamos uno de los mejores bodegones del arte español, formado por varios elementos metálicos, vasijas de cerámica y una cebolla colorada. . El realismo de los personajes es digno de mención; la suciedad del paño con el que se cubre la cabeza la anciana o el corte del pelo del muchacho nos trasladan al mundo popular que contemplaba a menudo Velázquez. Incluso se piensa que la anciana podría ser el retrato de su suegra, María del Páramo, mientras que el muchacho sería un ayudante de su taller, posiblemente Diego Melgar.

Velàzuqez Biografia

Diego de Silva Velázquez; Sevilla, 1599 - Madrid, 1660) Pintor español. Además de ser la personalidad artística más destacada de su tiempo, Diego Velázquez es también la figura culminante del arte español, Diego Velázquez realizó su aprendizaje en Sevilla, en el taller de Pacheco, con cuya hija casó en 1617. Cuando todavía era un adolescente, pintó algunas obras religiosas (La Inmaculada Concepción, La Adoración de los Reyes Magos) con un realismo inusual y pronunciados efectos de claroscuro. También por entonces pintó inusitados cuadros de temática religiosa ambientados en escenarios cotidianos, como Cristo en casa de Marta o Cristo en Emaús; de hecho, la capacidad de convertir las escenas religiosas en algo cercano y realista constituye una característica del barroco sevillano que Velázquez legó a otros artistas de su tiempo.

san hugo en el retorno de los cartujos

El cuadro se pintó entre los años 1630 y 1635 aproximadamente. Su estilo artístico es característico del barroco por lo que se puede observar el ambiente religioso perteneciente a este estilo. Pedían escenas fácilmente comprensibles para los fieles, por lo que este tipo de cuadros le aseguraban un éxito fijo. En este cuadro Zurbarán nos sitúa en una vasta naturaleza muerta, es decir, nos representa un bodegón en el que no nos da la sensación de movimiento sino que nos representa a personas para la vista quietas en un espacio determinado. Las verticales de los cuerpos, de San Hugo y del paje están cortados con una mesa en forma de L, cubierta con un mantel que casi llega hasta el suelo

Historia

 Un día este último visitó a los monjes y para comer les pidió carne. Los monjes dudaban entre romper sus reglas y mientras tomaban esa decisión cayeron en un sueño extático. Cuarenta y cinco días más tarde San Hugo regresó y les encontró comiendo carne cuando estaban en cuaresma. De repente los monjes despertaron del sueño en el que habían caído y San Hugo le preguntó a uno de ellos que si era consciente de la fecha en la que estaban y la liturgia correspondiente. . San Hugo incrédulo miró los platos y vio como la carne se convertía en ceniza. Lo monjes decidieron que en la regla que prohibía comer carne no debía de haber excepciones.

Escultura barroca en España

La religión determinó muchas de las características del arte barroco. La iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes y la Contrarreforma, que quería combatir la difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de un arte emocional, dramático y naturalista, con un claro sentido de propaganda de la fe. La temática tratada, por tanto, será casi exclusivamente religiosa. Las características generales son: sentido de movimiento, energía, tensión, composición asimétrica con predominio de las diagonales y los escorzos, fuertes contrastes de luces y sombras que realzan los efectos escenográficos y el naturalismo.
      
                                  Cristo Yacente

Esta obra pertenece a la castellana, promovida poor Gregorio Fernandez, caracterizada por hondo dramatismo hererado de Juan de Juni, realismo con representaciones desgarradoras en las que no se rechaza la fealdad y que da un resultado profundamente emocional, por lo tanto, lo que busca es la exaltacion religiosa intentando acercar su obra a la sensibilidad del pueblo dotando a sus personajes de expresividad y realismo para conmover a los fieles en beneficio de la fe catolica.

cristo yacente con cabeza apoyada y boca y ojos entreabiertos que parece que contradice a la pasion. Centra los sentimientos en su rostro y tambien en als yagas y heridas sangrientas que muestran la nota tragica.