jueves, 9 de junio de 2011

La fabula de aragne



popularmente conocido como Las hilanderas, es un lienzo de Diego Velázquez, conservado en el Museo del Prado. Esta obra es de los máximos exponentes de la pintura barroca española y está considerada como unos de los grandes ejemplos de la maestría de Velázquez. Temáticamente es una de sus obras más enigmáticas, pues aún no se conoce el verdadero propósito de esta obra.
Cuenta la leyenda que Aracne era una de las mejores tejedoras de toda Grecia. Era hija de un tintorero llamado Idmón y vivían en Lidia. Pero tenía un gran defecto, era en exceso vanidosa. De tal modo, le decía a todo el mundo que era la mejor tejedora del mundo. La gente, al observar sus obras, subrayaba su destreza. Cuentan que incluso las ninfas acudían a observar sus hermosos bordados. Recibía encargos de todas partes del mundo. De tal modo que Aracne cada vez se enorgullecía más y más de su trabajo, hasta que un día se comparó con la mismisima diosa Atenea, por ser diosa, a parte de la sabiduría, de las hilanderas. De tal modo que le lanzó un reto, para comprobar quien de las dos tejía mejor.
            Atenea quiso darle una lección a Aracne, asi que aceptó el reto y descendió del Olimpo a la tierra en forma de anciana. Atenea le aconsejó que fuese más modesta y comenzaron el concurso. Ambas estuvieron tejiendo todo el día. Las dos estuvieron ilustrando en sus obras a los dioses. Mientras que Atenea los mostraba en todo su esplendor, Aracne se mofaba de ellos representándolos en episodios deshonrosos como locos y borrachos.
            Ante esto, Atenea se enojó con la hilandera, golpeándola y rompiéndole el tapiz. Aracne, asustada, humillada y deshonrada huyó enloquecida de la diosa con la intención de ahorcarse de una viga del techo. Ante esto, la diosa se apiadó y le salvó la vida, pero como castigo, la convirtió en araña y la condenó a tejer por el resto de los tiempos.
            Para algunos, no fue la deshonra a los dioses del Olimpo lo que llevó a Atenea a enojarse con Aracne, sino que comprobó que efectivamente la obra de Aracne era mejor que la suya. De tal modo que fue el orgullo de la diosa lo que la movió a convertirla en araña.
            Aparte de esta,

La venus en el espejo

La Venus del espejo es un cuadro de Velázquez (1599-1660), el pintor más destacado del Siglo de Oro español. La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer. Esta vez, sin embargo, prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano.

Las meninas


 
En el medio del cuadro podemos ver a la infanta Margarita rodeada de su familia en una sala del Alcázar de Madrid.
Este cuadro está construído a partir de una enorme habilidad por el uso de la luz, la perspectiva... hasta de su retrato.De su tema podemos decir que se han dicho varias cosas, pero la que destaca entre las demás es la de la reivindicación de la nobleza.Como ya he dicho antes, Velázquez se autorretrata en la parte izquierda para que quede plasmado la supremacía del arte de la pintura.El perro que aparece en la parte inferior de la derecha es de la raza mastín y pertenece a dicha familia.
Detrás de dicha familia, aparecen conversando las guardadamas, y al fondo, en la puerta, el aposentador José Nieto y en la parte central del cuadro, en un espejo aparecen reflejados los reyes Felipe IV y Mariana de Austria,

La Fragua de Vulcano

En la escena se nos presenta al dios Apolo cuando ante Vulcano y los componentes de su fragua da la noticia del adulterio de Venus con Marte. La historia de la mitología griega se nos presenta aquí totalmente humanizada, no hay cíclopes o dioses (la única alusión a la deidad es la corona de laurel y el aura que nos permiten identificar a Apolo) simplemente hombres en cuyo rostro se muestra la sorpresa.
Tema :El tema tenía poca tradición iconográfica. Algo más corriente era representar el momento inmediatamente posterior,  en donde Ovidio presenta a Vulcano sorprendiendo a los adúlteros y cogiéndolos en una red, haciéndolos objeto de la mofa de los dioses

Los borrachos


Es el cuadro que cierra la primera etapa de la pintura velazqueña, la llamada etapa sevillana, la del realismo extremo y los cuadros de género o bodegones con figuras y abre la etapa de madurez.

Pintado por encargo real, le fue pagado a Velázquez en 1629, unos meses antes del comienzo de su primer viaje a Italia y un poco después de conocer a Rubens, autor de estupendos cuadros de tema mitológico.. El artista quiso representar a Baco como el dios que obsequia al hombre con el vino, que lo libera, al menos de forma temporal, de sus problemas cotidianos, por lo que Baco se convierte en uno de los borrachos que participan en la fiesta, diferenciándose de los demás por su piel más clara. El asunto ha sido tratado como una escena realista y popular, del mismo modo que si estuviésemos ante una merienda de amigos en el campo; por esto el título original ha sido sustituido popularmente por "Los Borrachos".

Retrato de Felipe IV

La razón por la que el rey eligió a Velázquez fue el realismo mostrado por el pintor, que no idealizaba a su retratado sino que lo hacía parecer más humano, con sus defectos y sus virtudestiene la mano apoyada sobre la mesa, que significa poder.Aquí, el elemento característico del rey es el traje de plata y castaño que lleva puesto.Durante su época fue el retrato más conocido y cotizado.
El cuadro lo hizo el pintor en el primer viaje que hizo hacia Italia, por la década de los años 30, por lo que tiene rasgos de la escuela veneciana en el colorido.También podemos ver que el rey lleva la cadena de la Orden del Toisón de Oro.El cuadro es un retrato a tamaño natural, cosa muy poco unusual de aquella época

Vieja friendo Huevos

Vieja friendo huevos es una de las pocas que se fechan casi con total seguridad, apostándose por el año 1618. Su popularidad ha hecho de ella una de las escenas más significativas del Barroco español. . En primer plano vemos a una anciana cocinando unos huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho que porta un melón de invierno y una frasca de vino. En la zona de la derecha contemplamos uno de los mejores bodegones del arte español, formado por varios elementos metálicos, vasijas de cerámica y una cebolla colorada. . El realismo de los personajes es digno de mención; la suciedad del paño con el que se cubre la cabeza la anciana o el corte del pelo del muchacho nos trasladan al mundo popular que contemplaba a menudo Velázquez. Incluso se piensa que la anciana podría ser el retrato de su suegra, María del Páramo, mientras que el muchacho sería un ayudante de su taller, posiblemente Diego Melgar.

Velàzuqez Biografia

Diego de Silva Velázquez; Sevilla, 1599 - Madrid, 1660) Pintor español. Además de ser la personalidad artística más destacada de su tiempo, Diego Velázquez es también la figura culminante del arte español, Diego Velázquez realizó su aprendizaje en Sevilla, en el taller de Pacheco, con cuya hija casó en 1617. Cuando todavía era un adolescente, pintó algunas obras religiosas (La Inmaculada Concepción, La Adoración de los Reyes Magos) con un realismo inusual y pronunciados efectos de claroscuro. También por entonces pintó inusitados cuadros de temática religiosa ambientados en escenarios cotidianos, como Cristo en casa de Marta o Cristo en Emaús; de hecho, la capacidad de convertir las escenas religiosas en algo cercano y realista constituye una característica del barroco sevillano que Velázquez legó a otros artistas de su tiempo.

san hugo en el retorno de los cartujos

El cuadro se pintó entre los años 1630 y 1635 aproximadamente. Su estilo artístico es característico del barroco por lo que se puede observar el ambiente religioso perteneciente a este estilo. Pedían escenas fácilmente comprensibles para los fieles, por lo que este tipo de cuadros le aseguraban un éxito fijo. En este cuadro Zurbarán nos sitúa en una vasta naturaleza muerta, es decir, nos representa un bodegón en el que no nos da la sensación de movimiento sino que nos representa a personas para la vista quietas en un espacio determinado. Las verticales de los cuerpos, de San Hugo y del paje están cortados con una mesa en forma de L, cubierta con un mantel que casi llega hasta el suelo
Historia

 Un día este último visitó a los monjes y para comer les pidió carne. Los monjes dudaban entre romper sus reglas y mientras tomaban esa decisión cayeron en un sueño extático. Cuarenta y cinco días más tarde San Hugo regresó y les encontró comiendo carne cuando estaban en cuaresma. De repente los monjes despertaron del sueño en el que habían caído y San Hugo le preguntó a uno de ellos que si era consciente de la fecha en la que estaban y la liturgia correspondiente. . San Hugo incrédulo miró los platos y vio como la carne se convertía en ceniza. Lo monjes decidieron que en la regla que prohibía comer carne no debía de haber excepciones.

Escultura barroca en España

La religión determinó muchas de las características del arte barroco. La iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes y la Contrarreforma, que quería combatir la difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de un arte emocional, dramático y naturalista, con un claro sentido de propaganda de la fe. La temática tratada, por tanto, será casi exclusivamente religiosa. Las características generales son: sentido de movimiento, energía, tensión, composición asimétrica con predominio de las diagonales y los escorzos, fuertes contrastes de luces y sombras que realzan los efectos escenográficos y el naturalismo.
      
                                  Cristo Yacente
Esta obra pertenece a la castellana, promovida poor Gregorio Fernandez, caracterizada por hondo dramatismo hererado de Juan de Juni, realismo con representaciones desgarradoras en las que no se rechaza la fealdad y que da un resultado profundamente emocional, por lo tanto, lo que busca es la exaltacion religiosa intentando acercar su obra a la sensibilidad del pueblo dotando a sus personajes de expresividad y realismo para conmover a los fieles en beneficio de la fe catolica.
cristo yacente con cabeza apoyada y boca y ojos entreabiertos que parece que contradice a la pasion. Centra los sentimientos en su rostro y tambien en als yagas y heridas sangrientas que muestran la nota tragica.







lunes, 6 de junio de 2011

El Campo del Moro


El Campo del Moro es un extraordinario jardín situado bajo el Palacio Real, tras el gran desnivel que daba fortaleza defensiva a las antiguas murallas madrileñas. Para hacernos una idea del origen de su curioso nombre hay que saber que las primeras murallas de Madrid estaban donde hoy está el Palacio Real. En donde hoy está este campo se asentaron las fuerzas almoravides que querían conquistar Madrid en el año 1100. De aquel campamento surgió el nombre actual de Campo del Moro
Este parque fue adquirido por la Corona Española en tiempos de Felipe II y consiste en unas 20 hectareas de jardines

Jardines de Sabatini

Los Jardines de Sabatini se encuentran situados frente a la fachada norte del Palacio Real de Madrid (España), entre la calle de Bailén y la cuesta de San Vicente. Ocupan una extensión de 2,54 hectáreas.

Estos jardines fueron construidos en los años 30 del siglo XX tras la proclamación de la Segunda República, en el lugar que ocupaban las caballerizas construidas por el arquitecto italiano Francesco Sabatini junto al Palacio Real.

Palacio Real


Edificio neoclásico del siglo XVIII, las obras del Palacio Real empezaron en 1737. Los italianos Felipe Juvara, Juan Bautista Sachetti y Francisco Sabatini figuran entre sus principales arquitectos. Ocupa una superficie de 13 hectáreasEn su interior alberga la gran escalera proyectada por Sabatini, con escalones de mármol de cinco metros de longitud cada uno y excelente museo que incluye obras de artistas como Goya, el Greco, Rubens, Velázquez, Caravaggio, o Lucas JordánFernando García Mercadel realiza los jardines del Campo del Moro, en la ladera que desciende hacia el río Manzanares, lugar usado por los musulmanes para acampar las tropas que sitiaban la ciudad en la edad media. Hacia el norte se encuentran los Jardines Sabatini, que ocupan el lugar que anteriormente tenían las caballerizas.

La Plaza mayor de Salamanca

la PLAZA MAYOR es el centro de la vida vida urbanade la ciudad de  Salamanca, España. Fue declarada BIC con categoria de Monumento el 21 de diciembre de 1973, publicandose en el  BOEel 23 de Enero de 1974.
Definida por  Miguel de Unamuno, que hacia su tertulia diaria en la terraza que tiene en la Plaza
 
 
 
 
Las Casas  Consistoriales nunca se terminaron: faltan dos torres sobre las alas laterales, que el arquitecto (Andrés Garcia de Quiñónes) no se atrevió a construir por considerar que la obra en la que debían apoyarse no reunía condiciones para resistir el peso ,pero se conserva la maqueta de 1745. El proyecto de las torres se  utilizó por su autor para concluir las torres de La Clerecia.

Plaza de oriente Felipe IV

La estatua ecuestre de Felipe IV es de bronce y está dispuesta mirando hacia el este, esto es, hacia el Teatro Real. Fue ejecutada entre 1634 y 1640 por el italiano Pietro Tacca (1577–1640), al cual le enviaron como modelos dos retratos del rey pintados por Velázquez, uno a caballo y otro de medio cuerpo. Fue fundida en Florencia (Italia).

El escultor contó con el asesoramiento de Galileo Galilei para que el caballo que monta el monarca pudiese mantenerse exclusivamente sobre sus patas traseras. La solución dada por el físico consistió en hacer maciza la parte trasera y hueca la delantera. Se trata de la primera escultura ecuestre del mundo con esta disposición.

Escultura ecuestre de la plaza mayor

La estatua ecuestre de Felipe III que se encuentra en el centro de la Plaza Mayor fue comenzada por el escultor italiano Juan de Bolonia (Giambologna) y terminada por su discípulo Pietro Tacca en 1616. Fue regalada al Rey español por el entonces Gran Duque de Florencia, estando inicialmente situada en la Casa de Campo.

En 1848 la Reina Isabel II ordena su traslado desde su emplazamiento anterior a la Plaza Mayor. Actualmente, en el pedestal de la estatua, figura esta inscripción:.
 tan sólo en dos breves ocasiones ha sido retirada. La primera fue en 1873, cuando proclamada la República Federal se la llevaron a un almacén en donde permaneció oculta hasta la Restauración de Alfonso XII, en las postrimerías de 1874. La segunda fue en 1931, cuando proclamada la II

La plaza mayor

La Plaza Mayor de Madrid (España) está situada en el centro de la ciudad, a pocos metros de la plaza de la Puerta del Sol y de la Plaza de la Villa, y junto a la calle Mayor.









La Plaza Mayor ha sufrido tres grandes incendios en su historia, el primero de ellos en 1631, encargándose el mismo Juan Gómez de Mora de las obras de reconstrucción. El segundo de los incendios ocurrió en 1670 siendo el arquitecto Tomás Román el encargado de la reconstrucción. El último de los incendios, que arrasó un tercio de la plaza, tuvo lugar en 1790, dirigiendo las labores de extinción Sabatini

Nombre de la Plaza : En 1873, cambió su nombre por el de «Plaza de la República», y otra vez a «Plaza de la Constitución» desde la Restauración de Alfonso XII en 1876 hasta la Dictadura de Primo de Rivera en 1923. Tras la proclamación de la II República se volvió a cambiar al nombre de «Plaza de la Constitución» hasta el final de la Guerra Civil española cuando se recupera el popular nombre de «Plaza Mayor», nombre que perdura hasta la actualidad.

La incredulidad de Santo Tomas

De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura.
La incredulidad de Santo Tomas es un cuadro pintado por Caravaggio en 1602. Fue pintado para los Giuliani. El cuadro muestra a Cristo resucitado ante sus discípulos, pero Tomás se niega a creer, por lo que Jesús le ofrece que toque sus heridas y hasta que no toco sus heridas no lo creyo

domingo, 5 de junio de 2011

La cena de emaùs


Esta obra marca un giro radical dentro de la obra de Caravaggio, dando inicio al claroscurismo e introduciendo plenamente los motivos procedentes de la historia sagrada.
El tema tratado es la constatación de la Resurrección de Cristo y la vigencia de los sacramentos, especialmente la Eucaristía, temática de carácter cotrarreformista al ser este un sacramento negado por los protestantesLa composición tiene un carácter teatral y dramático, realizando un magnífico estudio de los afecti: la serena tranquilidad de Cristo, el asombro y la emoción de sus discípulos, la extrañeza del posadero... Este nuevo estilo se vera materializado en una nueva serie. Su protector Maria del Monte introducirá a Caravaggio en el mercado artístico con el encargo de realizar tres grandes lienzos para la capilla Cantorelli en San Luis de los Franceses de Roma, según había dispuesto en su testamento el cardenal del mismo nombre. Esta había sido encargada en un principio al Caballero de Arpino, pero al encontrarse este ocupado en otros trabajos la situación fue aprovechada por el cardenal para encargar la obra a su protegido. Este ciclo de San Mateo se compone de tres obras: El Martirio de San Mateo, La Vocación de San Mateo y San Mateo y el Ángel, de la cual se realizaron dos versiones.







La Fontana di Trevi es fuente barroca más grande de Roma (Viajes Roma) con 25,9 m de alto y 19,8 de ancho.
Situada en el cruce de tres calles (tre vie), marca el punto final de uno de los antiguos acueductos que suministraban agua a Roma, supuestamente con la ayuda de una virgen


    La construcción de La Fontana di Trevi
En 1629 el papa Urbano VIII, encontró que la fuente que existía no era lo suficientemente dramática, así quepidió a Bernini que esbozase posibles renovaciones. El proyecto fue abandonado cuando Urbano VIII murió, y Bernini cambió la situación de la fuente al otro lado de la plaza para que quedase frente al Palacio del Quirinal.
En 1730, el papa Clemente XII organizó un concurso sobre la fuente. Los trabajos empezaron en 1732 y terminaron en 1762, cuando el Neptuno de Pietro Bracci fue situado en el nicho central. Las estatuas de Abundancia y Salubridad, en los dos nichos laterales fueron esculpidas por Filippo Della Valle.
La Fontana de Trevi fue terminada en 1762 por Giuseppe Pannini, quien sustituyó las suaves alegorías presentes por esculturas planas de Agripa y Trivia, la diosa romana.

sábado, 4 de junio de 2011

La fuente de los 4 Rios


La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos, se encuentra en la Piazza Navona de Roma (Italia) y fue ideada y tallada por el escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini en 1651 bajo el papado deInocencio X, en plena época barroca, durante el periodo más prolífico del genial artista y cerca de la que en otro tiempo fue la Chiesa di San Giacomo de gli Spagnoli

Las estatuas que componen la fuente, tienen unas dimensiones mayores que en la realidad y son alegorías de los cuatro ríos principales de La Tierra (Nilo, Ganges, Danubio, Río de la Plata), cada uno de ellos en uno de los continentes conocidos en la época. En la fuente cada uno de estos ríos está representado por un gigante de mármol.
dice que las figuras no miran al frente ninguna porque ha bernini le habían encargado toda la plaza pero cuando se dio cuenta que no era asi se enfado tanto que cambio totalmente el etilo de la fuente y quiso representar su enfaado haciendo estas figuras pero que ninguna mirara al frente

Extasis de santa teresa


La obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini. Fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria (Santa Maria della Vittoria), en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro. Esta considerada una de las obras maestras de la escultura as figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. Tiene una altura de 3,5 metros. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo.del alto barrocoromano.La expresión de la Santa en plena transverberación, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco.

Apolo y Dafne es una escultura realizada por el italiano Gian Lorenzo Bernini entre los años 1622 y 1625.1 2 Pertenece al estilo barroco. Se trata de una estatua a tamaño real de mármol, expuesta en la Galería Borghese en Roma.Apolo, dios de los arqueros, de la música, de la profecía y de la luz, era muy poderoso, pero no siempre afortunado en sus amores. Su primer amor fue la ninfa Dafne, pero ella lo rechazó. La violenta pasión de Apolo y la resistencia de Dafne se debía a que Eros (Cupido), irritado por las bromas de Apolo, le disparó a él una flecha de oro para que se enamorase de ella, mientras que a Dafne, le dirigió una de plomo para que le rechazase. Apolo persiguió a Dafne con todo tipo de súplicas amorosas, todas las cuales rechaza hasta llegar a orillas del río Peneo. Aquí justo en el momento en que va a darle alcance, ella pide ayuda a su padre, el dios del río, el cual la transforma en un laurel. Apolo se queda de una pieza. Al contrario que su padre Zeus, Apolo aceptaba los rechazos, aunque a veces la venganza era terrible. Por ejemplo, cuando la Sibila Deifobe le rechazó -a pesar de ofrecerle tantos años de vida como granso de tierra pudiése recoger- se enojó tanto, que le dio mil años más de vida... ¡pero sin eterna juventud! Pasó el resto de sus días metida en un tarro, en Cumas, sin que se le consediera su único deseo: la muerte.
El rapto de Proserpina es un escultura realizada por Gian Lorenzo Bernini entre los años1621 y 1622.
Fue encargada por Scipione Borghese, que se la cedió al Cardenal Ludovico Ludovisi en 1622, quien la llevó a su villa. Permaneció allí hasta 1908, cuando el Estado italiano la adquirió y la devolvió a laGalleria Borghese.
Es una gran estatua de mármol, perteneciente a un grupo escultórico ejecutado por el artista. Representa aProserpina (Perséfone en la mitología griega) siendo raptada por Plutón (Hades en la mitología griega), soberano de los infiernos.
La posición, un contraposto retorcido, es una reminiscencia delManierismo, y permite una observación simultánea del rapto (según se mira desde la izquierda) con Plutón tratando de mantener a Proserpina sujeta; de la llegada al Hades (mirando de frente, parece llevar en brazos a su víctima); y de la petición de Proserpina a su madre de regresar durante seis meses a la Tierra (si contemplamos desde la derecha, con las lágrimas de la mujer, el viento sobre su pelo y el CanCerbero ladrando).
Es notable la representación de los detalles: Proserpina empuja la cabeza de Plutón estirando su piel, y los dedos de este aprietan cruelmente la carne de Proserpina tratando de inmovilizarla

El david de bernini



.
El David es una estatua realizada por Gian Lorenzo Bernini entre 1623 y 1624.1 Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Pasó a formar parte de la colección de su principal mecenas, el Cardenal Scipione Borghese, y actualmente se expone en la Galleria Borghese..Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.
A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos, los kuroí.El David de Donatello es una representación del héroe victorioso, que se yergue con confianza. En términos políticos, se trata de una metáfora de la Florencia que se vio a sí misma como el centro del apogeo artístico Italiano del Renacimiento. El David de Miguel Ángel representa el momento de la planificación, la tensión mental de la toma de una decisión: pasividad externa, pero una gran lucha interior. La obra de Bernini, por otra parte, irradia un espíritu de batalla contrarreformista, y tal vez también la lucha de un joven artista por hacerse un hueco no sólo entre los escultores de su época, sino tratando de culminar la historia de la escultura renacentista

Plaza de san Pedro

La plaza es una gran explanada trapezoidal que se ensancha lateralmente mediante dos pasajes, con forma elíptica, de columnas
rematadas en una balaustrada sobre la que se asientan las figuras de ciento cuarenta santos de diversas épocas y lugares; en su interior se encuentran dos fuentes, una en cada foco de la elipse,y en medio de la plaza se erigió un monumental obelisco(de 25 metros de alto y 327 toneladas), un bloque pétreo sin inscripciones traído desde Egipto que estaba en el centro de un circo romano. En 1586 el Papa Sixto V decidió colocarlo frente a laBasílica de San Pedro en memoria del martirio de San Pedro en el Circo de Nerón. Se le conoce como el “testigo mudo”, pues junto a este se crucificó a Pedro. La esfera de bronce de la cúspide que, según la leyenda medieval, contenía los restos de Julio César, fue reemplazada por una reliquia de la cruz de Cristo. Los dos pasajes de columnas (284 de 16 metros cada una) se abren a cada lado simbolizando el abrazo de acogida de la Iglesia al visitante que parece invitan a entrar.

El Baldaquino

El Baldaquino de San Pedro (1624 - 1633) también llamado de oro o de la confesión, cubre el Sacro Altar Pontificio, en la nave central de la Basílica de San Pedro. Se encuentra debajo de la Cúpula de Miguel Ángel.
Diseñado y construido por Gianlorenzo Bernini, cubre la tumba del Apóstol San Pedro, recordando las palabras de Jesucristo: "Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia". La necrópolis petrina se encuentra debajo del complejo basilical, y, cuando el emperador romano Constantino mandó construir la primera basílica, ordenó que el altar estuviese sobre la tumba del Santo Apóstol.
 se ve las columnas retorcidas

El barroco Arquitectura y Escultura

Arquitectura
va frecuentemente unido con el urbanismo y la ciudad se volvió escenográfica 
tuvo un objetivo de emocionar y llamar la atención sus principales caracteristicas :
  • uso de la linea curva , tanto los edificios como decoración 
  • destaca el uso de las columnas salomónicas sensación de movilidad
  • efectos luminosos de luces y sombras
  • abundancia de decoración y adornoOpciones de entradas
  • utilizan materiales ricos , mas que todo en iglesias con objetivo de llamar la atención 
Escultura
  • realismo en la representación desde se destaca de rasgos físicos y movimiento naturales 
  • representación mostraban a gran panteísmos
  • figuras con gran movilidad , energía y vitalidad  
  • decorado para representación teatral  
  • se potenciaron los elementos luminoso con los pliegues de la ropa y gestos combinaciones de luces luminoso  
  • en los paises católicos gran frecuencia la representación religiosos . en todos los casos   se desarollaban escenas mitológicas 

miércoles, 1 de junio de 2011

El Barroco

el barroco de caracteriza  por la acumulaciòn de formas y excesos de superposiciòn de elmentos onarmentales y  en el cual aparecen columnas retorcidas y pilastros que no sostienen nada . Arquitrabes y muros que se doblan y retuercen figuras en los cuadros iluminados de forma antinatural y escultura que buscan efectos ilusionista

Caracteristicas :

 1-su sentido del movimiento eneria y tension
 2-constrastes de luces y sombras que realizan los efectos escenográficos
 3-intensa espiritualidad
 4-la insinuación de enormes espacios
 5-el naturalismo en las figuras no representa en los cuadros como simples estereortipos
 6-respresentación de los sentimientos

las pintura tiene tecnicas y Caracteristicas

se impuso el realismo representar tal y como son las cosas
se usaron mayor movilidad y fuerza
se utiza la tècnica llamada claroscuro
gran emotividad y los personajes  muestran sentimientos
escenas religiosas, retratos , mitologia , escenas cortesanas e imagenes de la vida cotidiana